LA CAJA NEGRA DE HIROSHI SUGIMOTO

Nada malo puedo decir de este fotógrafo y menos aun ser objetiva porque me tiene cautivada, y más  después de ver la exposición  que ofrece la fundación Mapfre de Barcelona titulada “Hiroshi Sugimoto, Black Box” comisariada por Philip Larratt-Smith.

En ella se muestra la obra del fotógrafo a partir de cinco series representativas de su trabajo conceptual y estético. Un mago de la cámara analógica, del blanco y negro y los revelados en gran formato. La exposición empieza con la serie seascape, fotografías de diferentes mares y lagos del mundo que muestran un simple horizonte capturados en diferentes momentos del día, imágenes aparentemente sencillas  porque  “demasiada información nos conduce a nada”, tal como dice el propio artista, pero  a su vez, llenas de complejidad conceptual que invitan a la reflexión  y dónde la abstracción y eternidad van de la mano.

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Subamos a la primera planta de la casa Garriga Nogués. Nos espera nada más y nada menos que Retratos. Donde lo falso se convierte en realidad, donde una fotografía del siglo XX pueda parecer un retrato del siglo XVI, donde el negativo de gran formato da protagonismo al detalle más pequeño. Aquí encontramos a Enrique VIII y sus seis mujeres junto a Fidel castro, Lenin y al mismísimo Papa, de cera, pero ahí están.  Lo mismo sucede con la serie Dioramas, una de las primeras series realizadas por el fotógrafo y antecesora de Retratos. En ella vemos el museo de historia natural de nueva York como si se tratasen de paisajes primitivos,  fotografías que bien podrían ser de Sebastiao Salgado, y de ahí  la sensación de que el artista vuelve a jugar con el espectador, la falsificación se convierte en verdadero. Entre estas dos series encontramos  Cines, donde  grandes salas de cine vacías con un gran rectángulo luminoso como representación de la muerte crean un diálogo entre la vida, la muerte y el paso tiempo.

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La exposición termina con un trabajo de química pura y dura. Relámpagos muestra el efecto de la corriente eléctrica sobre un negativo, de forma que nos encontramos ante negativos revelados que no han sido fotografiados, efectos químicos  que dan lugar a texturas, ramificaciones y  contrastes  de estética y belleza que cautivan.

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Son 40 fotografías representativas de Hirohi Sugimoto, que no solo captura una imagen, un instante  que nos muestre una realidad, va mas allá, utiliza la imagen para llevarnos a la meditación,  a la reflexiones sobre la  realidad,  lo falso y lo verdadero, la vida y la muerte, todo un recorrido filosófico a través de la belleza estética y la conceptualidad.

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AUTORRETRATO DE UN PAÍS EN RUINAS

Hay un lugar donde  uno puede perderse entre ruinas romanas prácticamente solo, pasear por el cardo máximo pisando los mismas piedras que pisaban nuestros antepasados  hace más de 2000 años,  comprar en mercados entre ruinas romanas, omeyas o bizantinas, oír  norias que giran y chirrían desde el siglo V d.c y siguen llenando acueductos que aun  reparten el agua. En estas tierras es posible ver como los pueblos viven entre restos arqueológicos, piedras que son testimonio de las civilizaciones que dominaron las tierras, o incluso visitar castillos y fortalezas de las cruzadas  en un estado de conservación tal que es inevitable revivir  las luchas que se llevaron a cabo.  En este viaje por la historia te  acompaña su gente, de una hospitalidad  y gratitud que pasa fronteras.

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Estoy hablando de Siria, un país situado en un lugar privilegiado del mapa donde ha visto pasar la historia de la humanidad y se encuentra viviendo lo peor que la humanidad ha creado, la guerra. Desde hace 4 años los sirios están  intentando sobrevivir a una guerra por la democracia y la libertad, que de forma pacífica reivindicaron pero sus líderes los quisieron acallar con las balas, y no lo han logrado.  El documental Syria self-portait-silvered water da voz a los sirios y es un testimonio de lo que sucede en el país. El film esta codirigido por Ossama Mohammed y Wiam Simav Berdixan.  El primero, director de cine sirio forzado a salir de su país y que actualmente vive en Paris, es el  responsable del montaje,  la recopilación de videos de youtube de ciudadanos anónimos,  víctimas y verdugos que grabaron pequeños videos con sus móviles, unos pa03-wiam-simav-bedirxan-syriera mostrar las atrocidades que se realizan, y otros mostrando su superioridad por llevar uniforme. La segunda, ciudadana siria que vive en Homs y que  encuentra en el videodiario y la capturación de imágenes  de su  devastada ciudad, cargadas de simbolismo, una forma de sobrellevar su desgracia. El resultado es un montaje que consigue hacer poética del horror y la barbarie, que consigue a partir de videos con enormes pixeles  y ruidos angustiosos que no seamos meros espectadores si no que nos encontremos dentro de la guerra.  Esta tensión y horror disminuye gracias a los videos de Simav,  las conversaciones entre ellos, y al enternecedor testimonio de Omar, un niño que no entiende de revoluciones pero que sabe cómo  sobrevivir a una guerra con la inocencia que da la niñez.

Un documental que del horror hace arte, que  utiliza el arte para dar voz a los sirios ignorados. No es un film político, es una bofetada en toda regla al régimen sirio que prohíbe que entre en el país la prensa extranjera y donde una cámara es un arma.

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Un sirio que emigró en su juventud para prosperar y siente la impotencia de ver en la distancia su país y su familia en una guerra, me dijo: “este documental lo tendrían que dar en todos los cines, en los grandes cines….que se enteren todos de lo que han hecho!”. Y es así. No solo para dar voz a los siros sino también por la calidad del documental.

La película la podéis ver en los cines zumzeig en Barcelona y en la Cinateca de Madrid

LOS GRUÑIDOS DE TURNER

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Según Mike Leigh Turner gruñe y mucho. En 2 horas y media de film es como se comunica el protagonista. El espectador llega a diferenciar un amplio abanico de gruñidos desde el que da los buenos días o las gracias, al que muestra enfado o  queja. Esto es gracias a la interpretación de Timothy Spall, que para mí es lo mejor de la película  y se merece todos los premios que se encuentre por el camino.

La biopic no idealiza a Turner como persona, al contrario, puede llegar a ser repulsivo y detestable, pero eso no quita la genialidad del artista que cuidadosamente vemos representada en la película. Nos muestra los últimos años de la vida de un artista romántico que se sale de la norma obsesionado en captar la atmosfera que crea la naturaleza.  Podemos ver cuál era el ambiente artístico y cultural británico de la época. La fotografía  capta la naturaleza inspiradora para el pintor romántico, de forma que, igual que ya hemos podido ver en otras películas biográficas de artistas, vemos paisajes como si fuesen las propias pinturas.

Personalmente creo que Mr. Turner es una película de dos horas y media de ritmo lento sin que la trama capte al espectador, hecha con mimo y cuidado para que William Turner no salga mal parado.

El rescate de El Greco

Hay una mirada apasionada que hizo que tras 300 años en el olvido se recuperasen  las pinturas de El Greco.  Iniciar una exposición con retratos de Santiago Rusiñol como el caballero de la mano en el pecho pintados por sus colegas, da pie a intuir que no era una simple admiración la que tenía el pintor catalán por El Greco si no que se nutria de la psicología y el interés por lo subjetivo de sus obras, además de estudiar los colores característicos del pintor cretense.

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Las lágrimas de San Pedro. El Greco

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Magdalena penitente. El Greco

 

“El Greco, la mirada de Rusiñol”  estará hasta el 2 de Febrero en la Fundació Godia de Barcelona. Es una pequeña exposición que culmina el IV centenario de la muerte de El Greco donde no solo nos da a conocer influencias sobre Rusiñol, también nos describen las características de El Greco que hicieron considerarlo un modernista en su época.  En esta muestra se exhiben las dos obras adquiridas por Rusiñol de  el Greco y que dieron pie a el redescubrimiento del pintor renacentista a finales del siglo XIX, junto a obras de Rusiñol, y algunas pinturas de coetáneos como Zuloaga o Darío de Regoyos donde el color, la fuerza expresiva  y la innovación de el greco en el siglo XIV la encontramos reflejada en estas obras de finales del siglo XIX.

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La morfina. Santiago Rusiñol

 

La ilustración esta de moda

Está claro,  los ilustradores están en su mejor momento. La ilustración ha pasado de ser un arte de segunda a competir en primera división, y en parte es gracias a la nueva era de las redes sociales que catapulta a la fama a jóvenes artistas. Vemos como ya no solo se dedican a dibujar por encargo si no que sus dibujos aparecen en exposiciones y exhiben sus trabajos en galerías, es más, gracias a la serigrafía y a la calidad de la impresión digital  están al alcance de todos, por unos 200 euros tienes una serigrafía y por unos 40 euros una impresión digital limitada firmada.  Pero además tenemos artistas  (españoles que me quedan más cerca) que con sus ilustraciones los libros se valoran tanto por lo que cuentan como por los dibujos.

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Y en esta moda encontramos una tendencia común: el retrato de mujeres. Mujeres con miradas expresivas, retratos donde la sensualidad está presente, pinturas que nos hacen reflexionar, donde  el trazado no se esconde incluso se acentua y donde el protagonismo lo tiene el color, pincelas y  manchas de color por dentro y fuera de las lineas.

Puedes estar pensado que el que a mi me parezca que exista una tendencia no significa que  solo encontremos belleza femenina como protagonista entre las ilustraciones, y es verdad:

 

Marina Abramovic + Adidas

¿Un dúo inverosímil? Ni mucho menos. Para muestra un botón.

Puede que a alguien le sorprenda, y a otros no, claro, sobre todo después de que la artista, capaz de llevar al límite lo físico y lo mental con su propio cuerpo en sus performance, hiciese un video con Lady Gaga presentando el método  de meditación Abramovic.

Ahora los señores de Adidas le han propuesto  hacer una versión de su trabajo “Work Relation” de los setenta, donde se transmite a través de la obra de la artista un mensaje deportivo relacionado con el mundial de futbol: “el trabajo en equipo es más perseverante y disciplinario”.

Y con esto surge la crítica a la artista que se vende a Adidas para mostrar su trabajo. Y claro, eso no es un artista de los de verdad.  Seamos realistas, en pleno siglo XXI en un mundo más que capitalista la idea del artista romántico  libre, sin ataduras, que solo vive para y por su arte queda  un poco lejana. Hoy en día hay artistas que quieren enriquecerse con sus trabajos y si surgen encargos, ¿porqué no aceptarlos? Ahora, que el encargo sea de una multinacional… ahí entra en juego la moral de cada uno, o la necesidad, que sabré  yo. En mi opinión no debería sorprendernos que existan artistas que parece que creen sus obras con el objetivo de sacarle el máximo partido económico, existe una oferta y demanda, si lo hacen es porque alguien lo paga, alguien valora su arte sin tener en cuenta ese hecho. Aunque no estoy muy a favor de la creación artística con el principal objetivo de sacar el máximo dinero,  no creo que por ello sean peores artistas.

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En 1929 Barcelona albergó la exposición internacional en pleno Montjuic, motivo por el que además de la fuente y el palacio,  se contruyeron joyas arquitectónica como el Pabellón Alemán,  país que se atrevió a encargar el proyecto a Mies Van der Rohe, un espacio modesto por su tamaño pero no por su importancia.

Fundación Mies

Hoy podemos visitar el edificio gracias a la tenacidad del ayuntamiento de Barcelona que, en  1983, decidió reconstruir el pabellón lo más fiel posible  y en el mismo lugar donde estuvo ubicado, solar por el que Van der Rohe se encaprichó, probablemente un lugar oportunista donde no pasaría desapercibida su obra.

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Mies Van der Rohe

Actualmente el edificio es la Fundación Mies Van der Rohe con el objetivo de estudiar, proteger y difundir la arquitectura moderna y contemporánea.

Para Cinéfilos

En plena crisis, una crisis que no parece tener fin, y hartos de oír por todos lados los recortes que se hacen por un lado, por el otro, por arriba y por abajo, en un país, el nuestro, donde la cultura queda en cuarto lugar y la industria del cine no sabe cómo salir a flote,  han tenido el valor de abrir una pequeña sala de cine en Barcelona dónde se proyectarán películas de autor. Si habéis leído bien. Cine de autor.

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En el 53 de calle Béjar de Barcelona, cerca de plaza España,  encontramos ZumZeig cinema, una sala de cine donde se han propuesto proyectar  esos films que tienen  todos los números de pasar desapercibidos, de caer en el olvido, ese cine independiente con una mirada personal de la estética y el mundo.  La sala se inaugura el 2 de Octubre y se estrenan con las películas Two years at sea de Ben Rivers, L’Encerclement de Richard Brouillette,  el documental La Casa de Tayo cortés, Apaga y vámonos de Manel Mayol.

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Estos valientes se merecen estas cuatro líneas y más,  porque encontrar hoy en día personas que apuesten sin más por la cultura no es fácil, y que los pocos que hay inviertan sus esfuerzos en transmitir el arte, un arte que no sabríamos de su existencia si no fuese por ellos, me da esperanzas.

El surgir del Expresionismo Abstracto

Entre mis manos cayó un ejemplar del  libro de Serge Guilbaut titulado “De cómo Nueva York robó la idea de arte Moderno”. Y con este título tan tentador no pude resistirme en comprarlo y descubrir el trabajo del autor.

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Efectivamente el libro trata sobre el surgir del expresionismo abstracto americano y cómo Nueva York se convirtió en la capital del arte desbancando a París. Pero Guilbaut no nos habla de una historia del arte cronológica y descriptiva sobre la tendencia artística y del grupo de protagonistas de la vanguardia, si no que trata el estudio de la sociedad en tiempos de posguerra que dará lugar a un cambio en la percepción y creación artística.  El autor, tras una exhaustiva documentación, describe los acontecimientos históricos y políticos que  desencadenaron la aparición de éste movimiento. Nos da a conocer cómo el fin de la segunda guerra mundial debilitó a París como referente en el ámbito artístico y cultural, lo que favoreció que el artista americano  luchase por crear un nuevo lenguaje  fuerte, libre y apolítico. En palabras de Pollock “las nuevas necesidades requieren nuevas técnicas, cada era descubre su nueva era”. Y cómo el  expresionismo abstracto que surgió se fortaleció con la guerra fría y la lucha anticomunista.

Un enfoque interesante que nos hace ver la importancia del estudio de la sociología para comprender los movimientos artísticos,  y no solo tener en cuenta una sociología del arte donde se estudia la relación entre la obra de arte/artista y los mediadores o instituciones  y éstos con el público. Si no que también hay que tener presente  los acontecimientos históricos, los grupos políticos y el desarrollo de una sociedad rota por la guerra, en este caso.

Personalmente recomiendo la lectura de este trabajo aunque tengo que advertir de que a pesar del atractivo del contenido del libro la mala edición, al menos la que yo he podido leer, hace que se dificulte su lectura por los numerosos errores ortográficos tanto en signos de puntación, que enloquecen al lector obligando a releer párrafos enteros para entenderlos, como las faltas ortográficas.